Керамика (глина, глазурь...) Печать
Рейтинг пользователей: / 51
ХудшийЛучший 
Художественные материалы

 

 

КЕРАМИКА


КЕРАМИК, КЕРАМИКА (греч. keramike, от keramos — "глина") — общее название всех видов изделий из обожженной глины. Искусство керамики — одно из древнейших, оно возникло на рубеже 4—3 тыс. до н. э.

Древние греки изготавливали из керамики не только бытовую утварь, но и плиты для облицовки зданий, архитектурные детали. Ведущим центром гончарного ремесла был г. Коринф в Арголиде.

Из терракоты (итал., от лат. terra cotta — "обожженная земля") изготавливали таблички для письма, "доски" для живописи, вотивные статуэтки.

Этруски использовали глину для изготовления сосудов, жаровен, урн, саркофагов.

В эллинистическое время делали чаши и кубки с рельефным декором, а также танагрскую коропластику. Гончарам покровительствовала богиня Афина (Афина Эргана — "Работница"), но мастера опасались, что злые духи — Асбест (греч. a-sbestos — "неуничтожимый"), Омодамос, Сабакт, Синтрипс, Смарагос — могут уничтожить их работу, и в "песнях гончаров" призывали богиню защитить свой труд (вероятно, в этом обычае отразились технологические сложности обжига изделий).

На северо-западе столицы Греции в древности существовал район, где селились гончары (Kerameikos). Он делился на две части — "внутренний керамик", занимавший северную часть Агоры, и "внешний керамик", за городской стеной (вынесенный за черту города во избежание пожаров от печей для обжига). Район, по утверждению римского писателя Павсания, получил название от имени героя Керама, сына Диониса и Ариадны, который считался изобретателем искусства керамики.

Керамика и их смесей с минеральными добавками, изготовляемые под воздействием высокой температуры с последующим охлаждением.

В узком смысле слово керамика обозначает глину, прошедшую обжиг. Однако современное использование этого термина расширяет его значение до включения всехнеорганических неметаллических материалов. Керамические материалы могут иметь прозрачную или частично прозрачную структуру, могут происходить из стекла.

Самая ранняя керамика использовалась как посуда из глины или из смесей её с другими материалами. В настоящее время керамика применяется как индустриальный материал (машиностроение, приборостроение, авиационная промышленность и др.), как строительный материал, художественный, как материал, широко используемый в медицине, науке. В XX столетии новые керамические материалы были созданы для использования в полупроводниковой индустрии и других областях.

В зависимости от строения различают тонкую керамику (черепок стекловидный или мелкозернистый) и грубую (черепок крупнозернистый). Основные виды тонкой керамики — фарфор, полуфарфор, фаянс, майолика. Основной вид грубой керамики — гончарная керамика. Кроме того различают керамику карбидную, боридную, силицидную и пр.

Гончарная керамика имеет черепок красно-коричневого цвета (используются красножгущиеся глины), большой пористости, водопоглощение до 18 %. Изделия могут покрываться бесцветными глазурями, расписываются цветными глиняными красками — ангобами. Кухонная и хозяйственная посуда, декоративные изделия.

 

 

 


 

 

ИСТОРИЯ КЕРАМИКА


Керамика известна с глубокой древности и является, возможно, первым созданным человеком материалом. Время появления керамики относят к эпохе мезолита и неолита.

Отдельные виды керамики формировались постепенно по мере совершенствования производственных процессов, в зависимости от свойств сырья и получаемых условий обработки.

Исторически керамические изделия были твёрдыми, пористыми и хрупкими.

Древнейший вид керамики — это обыкновенный горшечный товар с землистым, окрашенным и пористым черепком. Эта бытовая керамика разными способами облагораживалась — наносился рельеф штампованием и гравировкой, глянцевитым слоем (греческая керамика и римские Terra sigillata), цветной глазурью («Гафнеркерамика» Ренессанса).

Первоначально керамика формовалась вручную. Изобретение гончарного круга в третьем тысячелетии до нашей эры позволило изготовлять посуду с более тонкими стенками.

К концу XVI века в Европе появилась майолика (в зависимости от происхождения, также часто называется фаянсом). Обладая пористым черепком из содержащей железо и известь, но при этом белой фаянсовой массы, она была покрыта двумя глазурями: непрозрачной, с высоким содержанием олова, и прозрачной блестящей свинцовой глазурью.

Декор писали на майолике по сырой глазури, прежде чем обжечь изделие при температуре порядка 1000 °C. Краски для росписи брались того же химического состава, что и глазурь, однако их существенной частью были окислы металлов, которые выдерживали большую температуру (так называемые огнеупорные краски — синяя, зеленая, жёлтая и фиолетовая). Начиная с XVIII века стали применять так называемые муфельные краски, которые наносились на уже обожжённую глазурь. Они используются и для росписи фарфора.

В XVI веке в Германии распространилось производство каменной керамической посуды. Белый (например, в Зигбурге) или окрашенный (например, в Ререне), весьма плотный черепок состоял из глины, смешанной с полевым шпатом и другими веществами. После обжига при температуре 1200—1280 °C каменная керамика становилась твердой и практически не пористой. В Голландии производили красную каменную керамику по образцу Китайской керамики, и ту же особенность обнаруживает керамика Бёттгера.

Каменная керамика также изготовлялась Веджвудом в Англии. Тонкий фаянс как особый сорт керамики с белым пористым черепком, покрытым белой же глазурью, появился в Англии в первой половине XVIII века. Фаянс в зависимости от крепости черепка делится на мягкий тонкий фаянс с высоким содержанием извести, средний — с более низким ее содержанием и твердый — совсем без извести. Этот последний по составу и крепости черепка часто напоминает каменную керамику или фарфор.


История появления керамики на Руси

Археологические находки во многих древнерусских городах свидетельствуют о широком развитии на Руси гончарного ремесла. В Древней Руси применяли большей частью двухъярусные (нижний, топочный ярус зарывали в землю), гончарные горны, но были и одноярусные.

Монголо-татарское нашествие повлияло на развитие древнерусской культуры. История одной из ее ветвей — керамики сместилась из южных регионов в северные и западные пограничные города, в московские земли, поэтому не случайно возрождение изразцового искусства в Древней Руси было связано с Псковом и Москвой. Было уничтожено множество произведений русских гончаров IX—XII веков. Например, исчезли двуручные корчаги-амфоры, вертикальные светильники, более простым стал орнамент, искусство перегородчатой эмали, глазурь (самая простая — жёлтая, уцелела только в Новгороде).

В XIII—XIV столетиях в Пскове получила распространение муравленная черепица, применяемая для головного убора православных храмов. Она, вероятно, породила простые облицовочные плитки, а затем изразцы с узором и румпой для крепления в кладке стен.

На территории Псково-Печерского Свято-Успенского монастыря сохранились уникальные памятники глазурованной керамики — более ста древних надгробных монашеских плит (керамид), вмурованных в стены подземных галерей. Достигающие в среднем высоты 45-60 см и имеющие ширину 30-40 см, они выполнены из обожженной глины с темно-зеленой поливой. Количество и высокое художественное качество изделий свидетельствует о том, что в монастыре издревле процветало керамическое производство. Керамиды впервые на Руси начали изготавливать именно на Псковщине в XVI веке. В монастыре была специальная гончарная мастерская.

Псковские гончарные изделия, такие как посуда, узнаваемы по своим формам. Искусство псковских мастеров ярко проявилось в изготовлении декоративной керамики.

 


 

 

Технология производства керамических изделий

Технологическая схема производства керамической плитки включает следующие основные фазы:

  1. Приготовление шликера;
  2. Формовка изделия;
  3. Сушка;
  4. Приготовление глазури и глазуровка (эмалировка);
  5. Обжиг.

Сырьё для керамических масс подразделяется на пластичное (глины и каолины) и непластичное. Добавки шамота и кварца уменьшают усадку изделий и вероятность растрескивания на стадии формования. В качестве стеклообразователей используют свинцовый сурик, буру.


Приготовление шликера

Приготовление шликера идёт в три фазы:

  1. Первая фаза: помол полевого шпата и песка (помол ведётся от 10 до 12 часов);
  2. В первую фазу добавляется глина;
  3. Во вторую фазу добавляется каолин. Готовый шликер сливается в ёмкости и выдерживается.

Транспортировка из сырьевого склада производится при помощи погрузчика в приёмные бункера. Откуда по конвейеру отправляется либо в шаровую мельницу (для помола), либо в турборастворители (для роспуска глины и каолина)


Участок по приготовлению глазури

Глазури — глянцевидные сплавы, расплавляющиеся на глиняном черепке слоем толщиной 0,12 — 0,40 мм. Глазурь наносится, чтобы прикрыть черепок изделия плотным и гладким слоем, а также для придания изделию с плотным черепком повышенной прочности и привлекательного внешнего вида, для гарантии диэлектрических свойств и защиты декора от механических и химических воздействий.

В состав глазури входит тонко измельчённый циркон, мел, белила. В одну из определяемых технологом ёмкостей загружается готовая глазурь. Её пропускают несколько раз через вибросита и магнитноуловители для извлечения металлических примесей, наличие которых в глазури может повлечь за собой образование дефектов в ходе производства. В состав добавляется клей, и глазурь отправляется на линию.


Формование

Перед формовкой шликер загружается в одну из емкостей. Три ёмкости используются поочерёдно (меняясь примерно раз в сутки) для определённого стенда. Форму предварительно отчищают от остатков шликера после предыдущей формовки, обрабатывают шликерной водой и просушивают.

Шликер заливают в просушенные формы. Формы рассчитаны на 80 заливок. При формовании используется наливной способ. Форма впитывает в себя часть воды, и объёма шликера уменьшается. В форму доливают шликер для поддержания требующегося объема.

После затвердевания изделия просушиваются, производится первичная отбраковка изделий (трещины, деформации).


Ручная обработка изделий

После формования изделия поступают в цех ручной обработки.

После нанесения глазури изделие отправляется на обжиг в печь. Печь укомплектована модулем предварительной сушки, камерами обеспыливания и обдува. Термическая обработка ведётся при температуре 1230 градусов, длина печи составляет порядка 89 метров. Цикл от погрузки до разгрузки вагонетки составляет около полутора суток. Обжиг изделий в печи проходит в продолжение суток.

После обжига проводят сортировку: разделение на группы подобных изделий, выявление дефектов. Если дефекты устранимы, то они отправляются на доработку и удаляются вручную на участке реставрации. В противном случае изделие считается бракованным.

 

УТИЛЬНЫЙ ОБЖИГ (от лат. utilis — "полезный, необходимый") — первый грубый обжиг керамических изделий, при котором происходит спекание черепка и он становится водонепроницаемым. Утильный обжиг проводят при температуре от 900 до 1300°c. После этого изделие покрывают ангобами, глазурями или расписывают, и затем следует второй — глазуровочный, или политой, обжиг.

 

ЛОЩЕНИЕ

Лощатый — блестящий, полированный . Лощение — шлифование шероховатой поверхности (не путать с лещадкой). Наиболее известно лощение керамических изделий. Эта техника существовала с глубокой древности и позволяла заменять более сложное глазурование для придания черепку водонепроницаемости.

Лощение производится трением галькой или косточкой — гладилкой, лощилкой, или лоснилом, — о поверхность предмета с помощью растительного масла, жира, воска или графита. В результате лощения, обычно на гончарном круге, поры в глине закрываются и лощеный сосуд может хорошо удерживать жидкость. После обжига на открытом огне, благодаря впитавшемуся маслу, его поверхность приобретает матово-черный блеск, напоминающий "чернолаковые" античные сосуды или керамику буккеро древних этрусков, где использовались схожие приемы.

Лощение применяется по настоящее время в народных промыслах, например в керамике Дагестана — балхарских и кубачинских изделиях. Аналогичная техника обработки поверхности дерева называется вощением.

 

ГЛИНА

ГЛИНА (ст.-слав, глиньнъ — связано с глень, глей от ср.-греч. gline — "клей, вязкое вещество") — один из древнейших природных материалов искусства.

Свойства глины освоены человеком на рубеже 4 тыс. до н. э. и положены в основу искусства керамики (греч. kerameos — "глина").

Глина — на первый взгляд ничем не примечательная вязкая масса, образующаяся от выветривания и вымывания дождями горных пород. Вместе с водными потоками она попадает в русла рек и оседает на дне. Глина содержит многие минералы, слоистый каолинит, остатки органических веществ, окиси металлов. Самое важное свойство этого материала — пластичность. В соединении с водой глина образует массу, из которой можно лепить фигуры, емкости. После высыхания такая масса затвердевает, сохраняя форму, но, впитывая воду, вновь становится мягкой. Вода присутствует в глине в двух состояниях — в механической смеси и в химической связи. Во время обычной сушки вода испаряется из пор, а прокаливаясь на огне при температуре 500—600° С, глина теряет химически связанную воду, становится твердой, как камень, и навсегда утрачивает способность подвергаться воздействию влаги.

Кроме искусства керамики и лепки, глина используется в строительстве — в глинобитной технике, глину применяют в составе грунта для живописи и подмешивают в краски для придания им большей вязкости.

Белая глина, свободная от примесей окислов металлов, называется каолином и используется в производстве фарфора.

Цветная глина — ангоб, болюс.

Грубой, зернистой текстуры — шамот.

 

 


 

ГЛАЗУРЬ

 

ГЛАЗУРЬ (из нем. Glasur от Glas — "стекло"; франц. Glaçure, лат. Glacies — "лед") — стекловидное покрытие изделий из керамики , придающее им водонепроницаемость и блеск.

Другой способ обработки поверхности — лощение. Задолго до того как люди научились получать жидкое стекло и использовать его для покрытия керамики, в начале 3 тыс. до н. э. в Древнем Египте и Месопотамии был открыт эффект "самоглазурования" в момент обжига изделия при попадании на него соединений меди и карбоната натрия в виде древесной золы. Исследователь материалов и технологии египетского искусства А. Лукас в качестве стимула, послужившего причиной этого открытия, предполагает особую страсть египтян к бусам и, в частности, "желание иметь синие бусы в качестве амулетов, ибо синий цвет имел особое значение". Но бирюза, азурит и лазурит — минералы синего цвета — были очень дороги.

Египетские глазури чаще всего встречаются синего, зеленого, фиолетового и желтого цветов и представляют собой силикат натрия и кальция, окрашенные различными соединениями меди.

В XI—X вв. до н. э. использовали изделия из так называемого "египетского фаянса" — обожженной глины или толченого кварца, покрытого толстым слоем густой глазури на щелочной или свинцовой основе.

"ЕГИПЕТСКИЙ ФАЯНС" — особый состав, имитирующий цветное стекло. Применялся в Древнем Египте с времени XII—XIII династий Среднего Царства (ок. 2000—1700 гг. до н. э.). Представляет собой сплав толченого кварца с содой и поваренной солью (в качестве связующих веществ), покрытый слоем голубой или темно-синей глазури. Такая глазурь, применявшаяся египтянами с 4 тыс. до н. э. (силикат натрия-кальция, окрашенный окислами металлов), проникала в поры кварца и сплавлялась с ним при обжиге. В результате получалась масса, похожая на стекло. Позднее она стала ассоциироваться с европейским фаянсом, отсюда название. Иногда вместо кварца использовался стеатит либо кварцевый песок сплавляли с медным купоросом. Изделия из глазурованного стеатита, толченого песчаника известны с додинастического периода. Из "египетского фаянса" делали амулеты, скарабеи, бусы, статуэтки. Синим "фаянсом" египтяне имитировали лазурит, особенно любимый ими камень голубого цвета. Использовалась также белая, желтая, зеленая, фиолетовая глазурь. "Египетский фаянс" можно было резать и полировать. Он хорошо сочетался с золотом.

Наиболее прочной была свинцовая глазурь, окрашенная окислами железа и меди. О времени ее появления мнения ученых расходятся: от X до I в. до н. э.

В Древней Месопотамии и Греции глазурование глиняных изделий входит в обиход в VII—VI вв. до н. э.

В искусстве Китая глазурь появляется вместе с производством фарфора в период правления династии Хань (206 г. до н. э. — 220 г. н. э.).

Арабские мастера изобрели глазурь "восстановительного огня", люстровую керамику с красивым металлическим отблеском. В X—XIII вв. она получила распространение в странах Ближнего Востока и в Испании.

ЛЮСТР (франц. lustre — "блеск, глянец", от лат. lustrare — "святить, освящать, очищать") — разновидность кристаллических глазурей, особый легкоплавкий красочный состав, обладающий металлическим золотистым или красноватым отблеском с эффектом иризации, возникающим от восстановления в процессе обжига сернистых соединений меди, марганца, серебра или золота.

Техника люстрирования сложилась на рубеже VIII—IX вв. в странах Ближнего Востока. При раскопках, произведенных в 1911—1913 гг. на месте резиденции арабских халифов (правителей) в Самарре, близ Багдада, обнаружили глиняные сосуды с "золотым" люстром. По одной из версий, появление таких изделий объясняется запретом ислама употреблять золотую и серебряную посуду. Деревянная и простая глиняная посуда у правоверных мусульман символизирует смирение, а золото и серебро, согласно учению пророка, являются наградой на небесах. Однако восточная тяга к роскоши и красочности натолкнула мастеров на идею обойти религиозный запрет хитрым декоративным приемом.

Из Самарры техника люстра распространилась в Персию, Египет, Сирию, Северную Африку.

Племена берберов перенесли секреты люстра в Испанию, а затем в Италию.

Звездчатые изразцы, покрытые люстром, изготавливали в XII—XIII вв. в Иране, в городах Кашане и Рее.

В ранней мусульманской керамике Египта времени правления династии Тулунидов (868—905) использовался так называемый тулунидский люстр — по молочно-белой оловянной глазури рисовали кистью разноцветный орнамент люстровыми красками.

Для мусульманского искусства Сирии, Ирака характерны покрытые радужным люстром стеклянные изделия. Нагретый сосуд или стеклянную лампу расписывали люстром либо окуривали парами люстра, затем постепенно охлаждали и подвергали закрепительному обжигу.

Последний прием позднее, в период Модерна, на рубеже XIX—XX вв., использовали для имитации "цветов побежалости" — переливов золотистого, розоватого, фиолетового оттенков на старинном стекле в результате естественной эрозии поверхности.

В эпоху Итальянского Возрождения выдающимся мастером люстра был Джорджьо Андреоли (1470—1553) из г. Губбио. С 1498 г. он работал в собственной мастерской вместе с братьями Салимбене и Джованни. Усовершенствовав рецепт рубинового люстра (на основе двуокиси меди), Андреоли не только сам создавал изделия, но и покупал расписные блюда и сосуды других мастеров в уличных лавках и люстрировал их, что имело большой успех.

В начале XVIII в. в Саксонии Й. Бёттгером изобретен "жемчужный люстр" из золота (purplish Lüster) для декорирования фарфора.

В начале XX в. появился новый технический прием, создающий схожий эффект, — металлизация: напыление расплавленного металла (алюминия, меди, цинка, свинца) на керамическое или стеклянное изделие, разогретое до 580°c.

В итальянской майолике эпохи Возрождения XV—XVI вв. использовалась прозрачная свинцовая и белая оловянная глазури.

В древнерусском искусстве XVI—XVII вв. сначала применяли прозрачную зеленую — муравленую — глазурь, а затем и кроющие разноцветные эмали.

Открытие в 1710 г. европейского фарфора положило начало искусству подглазурной и надглазурной полихромной росписи специальными обжигающимися красками.

В "сыром" виде глазурь представляет собой стеклообразный порошок, замешанный на воде, которым покрывают поверхность изделия (кистью или аэрографом) после первого — утильного обжига. Затем производится второй — глазуровочный, или политой, обжиг при температуре 700—1200° С (для фарфора 1300—1400° С). При повторном обжиге глазурь остекловывается и прочно соединяется с поверхностью изделия. Для фарфора используется прозрачная бесцветная глазурь, роспись осуществляется специальными муфельными красками.

 

КРИСТАЛЛИЧЕСКИЕ ГЛАЗУРИ — тип глазурей, которые после обжига на поверхности керамического изделия образуют кристаллические соединения, создающие эффект металлического отблеска, игры света. Один из видов кристаллических глазурей — люстр, другой — авантюриновые глазури, образующие блестки кристаллов гематита из-за введения в состав глазури закиси железа.

 

ФРИТТА (итал. fritta) — предварительный сплав мелко измельченных и перемешанных компонентов. Используют для облегчения выплавки или сплавления металлов, минералов. Чаще этот термин применяют в технологии глазурования керамических изделий. Глазурь в виде фритты разводят водой и в качестве полужидкой массы наносят на изделие. Затем проводят обжиг. Фриттовую смесь песка, соды, поташа или селитры используют в качестве флюса.

 

ОПАК (франц. opaque от лат. opacus — "тенистый, темный, густой") — в искусстве керамики — кроющая, или корпусная, непрозрачная глазурь. Например, оловянная глазурь молочно-белого цвета. В стеклоделии опаковым (непрозрачным) называют "глушеное" стекло — цветную смальту (не путать с альпаком). В более широком значении — вообще темные, непрозрачные кроющие краски, глазури, эмали. Опаковым именуют также "непрозрачный фарфор", т. е. фаянс из белой глины, приближающийся по составу к настоящему фарфору, но имеющий непрозрачный черепок.

 

 


 

АНГОБ

 

АНГОБ (франц. engobe — "обмазка") — тонкий слой белой или цветной глины, наносимой на поверхность керамического изделия до обжига. Служит для сокрытия неровностей или цвета черепка.

ЧЕРЕПОК (от череп) — обожженная глина, чаще красного или серо-желтоватого цвета. Неглазурованное изделие после первого, утильного обжига. Профессиональный термин мастеров и художников-керамистов.

Техника ангоба подсказала и оригинальный способ декорирования — сграффито, процарапывания, соскабливания или гравировки поверхностного слоя до появления основы другого цвета.

В отдельных случаях применяется роспись ангобами, создающая эффект рельефа, и роспись по ангобу, играющему роль белого фона, грунта. К приемам ангобирования относят технику декорирования фарфора пат сюр пат.

ПАТ СЮР ПАТ (франц. pâte sur pâte — "масса на массе", "слой за слоем") — техника декорирования изделий из фарфора шликерной массой (смесью тонкой белой глины, глицерина и воды). Осуществляется кистью. Мастер рисует декор на поверхности, пористый черепок которой до глазурования легко впитывает воду из шликера, и масса застывает, образуя рельеф. Высоту рельефного рисунка можно варьировать, регулируя количество шликера, воды и нанесенных слоев. Иногда рельеф дорабатывают стеком.

Техника изобретена на Севрской фарфоровой мануфактуре во Франции в 1849 г. Художник-керамист Марк-Луи-Эмануел Солон (1835—1913) использовал ее для имитации в фарфоре античных камей. В 1870 г. Солон внедрил технику пат сюр пат на фабрике Т. Минтона в Стаффордшире, Англия.

В Севре в этой же технике изготавливали фарфоровые вставки для мебели, медальоны, броши с характерным белым рельефом по синему фону.

 

КАОЛИН

 

КАОЛИН (из кит. Kau-Ling — "Высокие холмы", местность близ Пекина) — минерал, тонкая белая глина, почти не содержащая примесей железа, что делает ее особенно ценной. Состоит из каолинита — продукта длительного выветривания гранитов и полевых шпатов. С небольшим количеством воды образует пластичную массу.

Во II—I вв. до н. э. в Китае стали применять каолин в качестве основного компонента для производства фарфора.

В 1710 г. похожую глину из месторождений в Саксонии, близ Дрездена, удалось использовать для раскрытия "китайского секрета".

Белые глины, схожие с каолином, добывают в Гжели, русском селении к юго-востоку от Москвы. Они были использованы в 1746 г. Д. И. Виноградовым для получения русского фарфора.

Каолин применяют в производстве бумаги. В живописи — в составе белил и грунта.

КРЕТА (лат. creta — "белая глина, мел"). Большие залежи белой извести и глины, близкой по составу каолину, находятся на острове Крит в Эгейском море. Отсюда латинское название острова — Крета (считается, что греческое название повторяет латинское слово).

Кретула (лат. cretula) — "белая земля", белила, сухой грунт, штукатурка, основа для фресковой росписи.

 

БИСКВИТ

 

БИСКВИТ (франц. biscuit — "сухарь" от лат. bis coctum — "дважды испеченное") — неглазурованный фарфор, изделие из фарфоровой массы с красивой матовой поверхностью, не покрытой блестящим слоем глазури.

Из бисквита изготавливают мелкую декоративную пластику.

Мода на изделия из бисквита появилась в связи с распространением идей Неоклассицизма во Франции в середине XVIII в. Первые статуэтки из неглазурованного фарфора своей матовой зернистой поверхностью ассоциировались с античными мраморами; их стали изготавливать на французской мануфактуре в Севре с 1753 г. по рисункам Ж. Ж. Башелье. В 1757 г. модельную мастерскую Севра возглавил выдающийся скульптор Э. М. Фальконе. Ему принадлежат лучшие произведения в этом виде искусства: парные статуэтки Амура и Психеи, портрет мадам де Помпадур, знаменитая "Купальщица".

С 1785 г. в Риме Дж. Вольпато наладил производство миниатюрных фигурок из бисквита по мотивам известных античных статуй. Они снискали огромную популярность.

По стилю и технологии французским и итальянским "бисквитам" близки изделия из глино-каменных масс Дж. Веджвуда в Англии. В Севре, отчасти в подражание Веджвуду, изготавливали из бисквита декоративные плакетки, вставки для мебели, медали, в том числе в технике "шликерной пасты" и просвечивающих плакеток — литофаний.

В России выдающимся мастером изделий из бисквита стал работавший с 1779 г. на Императорском фарфоровом заводе в Петербурге француз Ж.-Д. Рашетт.

В начале XIX в. на Берлинской фарфоровой мануфактуре фигурки из бисквита выполняли по моделям Й. Г. фон Шадова.

Изделиями из бисквита славились Венская и Копенгагенская мануфактуры.

С 1847 г. фабрика Т. Минтона в Стаффордшире, Англия, стала выпускать небольшие статуэтки из слегка желтоватого бисквита, который цветом и фактурой напоминал античный паросский мрамор. Этот материал назван парианом (англ. parian от названия о. Парос в Эгейском море).

ПАРИАН (англ. Parian, от греч. Paros — название острова в Эгейском море) — разновидность бисквита — неглазурованной белой фарфоровой массы, слегка желтоватого тона. Такую массу с 1847 г. стал применять для изготовления небольших камерных фигурок английский предприниматель и технолог-керамист Томас Минтон. Он же, вероятно, придумал название. Фигурки из немного просвечивающего, желтоватого бисквита напоминали знаменитые античные паросские мраморы.

Ассоциации с античностью были закономерны в эпоху Неоклассицизма второй половины XVIII — начала XIX в., а также в период Историзма, началом которого в западноевропейском искусстве считают 1830-е гг.

Французское название париана: "пат де парос" (франц. pâte de Paros — "паросская масса").

В 1849 г. из-за революционных событий в Англию эмигрировал французский скульптор периода Второго Ампира Альбер-Эрнест Каррье-Беллёз (1824—1887). На фабрике Минтона в Стаффордшире он одним из первых открыл красоту париана. В 1855 г., вернувшись в Париж, он продолжал работать в жанре мелкой фарфоровой пластики из бисквита.

Париан сравнивали также с каррарским мрамором и называли "каррара" (франц. "carrara"). Фигурки из бисквита изготавливали во Франции, на мануфактуре в Севре, в Германии, на Берлинской фарфоровой мануфактуре.

В 1819—1829 гг. на петербургском Императорском фарфоровом заводе мастер Петр Иулианович Иванов после многих опытов создал бисквитный "Букет" — композицию из натуралистично, тончайшим образом выполненных, белоснежных, кажущихся живыми, слегка просвечивающих лепестков роз и листьев.

 


 

БОЛЮС

 

БОЛЮС (франц. bolus через итал. от лат. bolus — "сочный") — мелкозернистая железистая глина желтого, оранжевого или красно-коричневого оттенка. Иногда ее неверно называют "армянским камнем" — это название следует относить к ляпис-лазури.

Глина "болюс" с древности использовалась для изготовления керамических сосудов, минеральных красок и при золочении металлических изделий. В искусстве керамики цветная глина применяется и в качестве ангоба.

С XVI в. ее стали использовать в живописи: при соединении с масляными связующими веществами глина образует удобный и прочный красно-коричневый грунт, также получивший название болюса.

Большая часть классических картин старых мастеров написана лессировками (прозрачными слоями краски) по такому грунту. Особенно прозрачно прописывали тени, просвечивающий красный грунт придавал им теплоту и глубину тона (света писали пастозно). Эти приемы стали традицией и в целом определяют красно-коричневый колорит многих картин европейской академической живописи XVII—XIX вв.

 

ГЛИНО-КАМЕННЫЕ МАССЫ

 

ГЛИНО-КАМЕННЫЕ МАССЫ, "ШТАЙНГУТЫ" (нем. Steingut — "каменный товар") — название материала и разновидности керамических изделий из очень плотной, твердой, как камень, глиняной массы (черепка), приближающейся по своему составу к фарфору. Ее компонентами являются глина, полевой шпат и кварц. При высокой температуре (1200—1280° С) такая масса "спекается" и происходит остекловывание черепка.

Изделия из глино-каменных масс — прочные как железо, их можно резать, шлифовать гранями, гравировать. Производство изделий из "каменных масс" началось в первой половине XVI в. в Рейнской области Германии. Изготавливались сосуды из серой глины с желтоватой или синей глазурью "блауверк" (нем. Blauwerk — "синий товар"); использовались солевые глазури (во время обжига в печь засыпали соль; сода, содержащаяся в соли, соединялась с силикатами, образовывала на поверхности сосуда тонкий прочный слой). Подобные изделия производили в немецких городах Вестервальд, Рёрен, Зигбург, Кёльн, Крайссен.

Особенную группу изделий составили пивные кружки шнелла и "кувшины с бородатым человеком" — бартманнкруг.

ШНЕЛЛА (нем. Schnella от Schnellen — "бросать, поднимать") — предмет средневекового искусства. Высокая кружка для пива из керамики с оловянной откидной крышкой на шарнире. Такие кружки делали из глино-каменных масс в Германии в XVI—XVII вв. Украшали рельефами, росписью.

Дорогие шнеллы изготавливали из слоновой кости или серебра. Иногда на них помещали изображение Гамбринуса, покровителя пивоваров, и заздравные надписи.

БЕЛЛАРМИН (bellarmin) — тип керамических кувшинов округлой формы, сильно расширяющихся книзу, с узким горлом и оловянной крышкой. Их производили с XVI в. в Германии из красной или желтоватой глины.

Название возникло от имени кардинала Роберто Беллармино (1542—1621), которого ненавидели в протестантских странах за особое рвение в контрреформаторской деятельности. Считается, что форма кувшина пародировала его толстую фигуру: из такого сосуда можно было "выпить душу" ненавистного кардинала.

Подобные кувшины изготавливали в рейнских городах: Рёрене, Зигбурге, Кёльне, Вестервальде.

Сосуды из г. Фрехена отличаются лепной маской "бородатого человека". Иногда под маской изображали и руки. Отсюда второе название таких кувшинов — "бартманнкруг" (нем. Bartmannkrug от Bartmann — "бородатый человек" и Krug — "кувшин"). Подобные кувшины были особенно популярны в Германии, их изготавливали на протяжении XVII—XIX вв., копировали в Англии, где они известны под названиями: Greybeards (англ. "серые бороды") и D’Alva bottles ("кувшины д’Альва").

Около 1670 г. в голландском г. Делфте стали изготавливать чайники из красной "каменной массы", в подражание китайским, с наружной полированной поверхностью. С XVII в. глино-каменные массы производили в Англии, в графстве Стаффордшир.

В 1708 г. в г. Майссен саксонский арканист Й. Бёттгер в поисках "китайского секрета" — рецепта получения белого фарфора, — создал красную каменную массу (нем. Böttger Steinzeug). Из этой массы Бёттгер изготавливал чайники "в китайском вкусе" с рельефными изображениями драконов.

В середине XVIII в. в Англии непревзойденные по изяществу изделия из глино-каменных масс создавал Дж. Веджвуд, в конце столетия, в Стаффордшире, — Т. Минтон.

МАЙОЛИКА

 

Майолика имеет пористый черепок, водопоглощение около 15 %, изделия имеют гладкую поверхность, блеск, малую толщину стенок, покрываются цветными глазурями и могут иметь декоративные рельефные украшения. Для изготовления майолики применяется литьё. Сырье — беложгущиеся глины (фаянсовая майолика) или красножгущиеся глины (гончарная майолика), плавни, мел, кварцевый песок.

Слово "майолика" происходит от названия одного из Балеарских островов в западной части Средиземного моря — Мальорка, или Майорка (Mallorca, ст.-итал. Maiorika). Через этот остров на балеарских кораблях с XIV в. в Италию привозили изделия испано-мавританских фаянсов. Итальянцы своим произношением несколько смягчили звучание незнакомого им слова, и получилось "майолика".


ИТАЛЬЯНСКАЯ МАЙОЛИКА — разновидность художественных изделий, составляющая важную часть искусства эпохи Итальянского Возрождения. Итальянской майоликой называют изделия из белой или серой глины, пористый черепок которых, в отличие от обычной керамики, покрыт не одной, а двумя глазурями. Вначале — непрозрачным слоем белой, оловянной, что позволяло расписывать поверхность изделия яркими красками по белому "сырому" фону еще до обжига, а затем, поверх росписи, — прозрачным слоем блестящей свинцовой глазури, с последующим обжигом ок. 1000°С.

Кроме настоящей майолики существует меццо-майолика (от итал. mezzo — "средний"), или полуфаянс (название фаянс по одному из центров производства — г. Фаэнца).

Меццо-майолика имеет черепок красного цвета, который покрыт белым слоем ангоба. Для меццо-майолики характерен декор типа сграффито — процарапывания верхнего, белого слоя глины до красной основы. После чего такое изделие покрывается слоем прозрачной свинцовой глазури и подвергается обжигу при той же температуре. Меццо-майолика появилась в странах Ближнего Востока, а затем, в XI—XII вв., была завезена арабами в Испанию.

С XV в. меццо-майолика, а затем и настоящая майолика производилась в мастерских — боттегах — Северной Италии. Во Франции подобные изделия называли «Terre de Valence», в Германии — «Walenschenwerk» ("валенсийская работа"), что также свидетельствует о ее испано-мавританском происхождении.

По сообщению историографа Итальянского Возрождения Дж. Вазари, первым в конце XV в. стал использовать молочно-белую оловянную глазурь флорентиец Лука делла Роббиа. Археологические находки, датируемые XIV в., опровергают это утверждение, но произведения семейной мастерской Луки, его племянника Андреа и сына Андреа — Джованни делла Роббиа действительно сыграли важную роль в искусстве Тосканского Возрождения .

На фасадах флорентийского Ор Сан Микеле и сейчас можно видеть сверкающие на солнце яркими красками терракотовые рельефы с изображениями Мадонны с Младенцем. Выступающие части рельефа обычно оставались белыми, фон — матово-голубым. Добавлялись также желтая, зеленая и фиолетовая краски . Из майолики изготавливали блюда , тарелки, кувшины , аптекарские сосуды — альбарелли, паломничьи фляги .

АЛЬБАРЕЛЛИ, АЛЬБАРЕЛЛО (итал. albarello от лат. albios — "белый", albarius — "беленый") — вид изделий расписной итальянской майолики эпохи Возрождения XV—XVI вв. Аптекарские сосуды цилиндрической формы на низкой кольцеобразной ножке и с оригинальными, слегка вогнутыми стенками — для того, чтобы было удобнее их брать в руки. Такие сосуды не имеют ручек и крышек — вверху они закрывались кружком пергамента или ткани, перевязанным бечевкой. Итальянские альбарелли происходят от средневековых мусульманских керамических сосудов, в свою очередь восходящих к изделиям Древней Персии и Месопотамии. В XIV—XV вв. через Испанию они проникли в Италию, а затем во Францию, Германию, Голландию. Итальянские мастера покрывали эти сосуды белой оловянной глазурью (отсюда название) и расписывали растительным орнаментом, надписями, портретными изображениями.

Изделия ярко расписывали "по сырому" фону белой глазури. Эта яркая роспись и стала одной из основных черт нового ренессансного мышления.

"Способ, изобретенный итальянскими мастерами, очень близок к фресковой живописи. И совершенно очевидно, что столь распространенная именно в Италии живопись „аль-фреско” и привела гончарное искусство... к освобождению от восточных традиций".

Искусство расписной майолики стало в XVI столетии в Италии выражением нового отношения к предметному миру, к вещам, окружающим человека в жилом интерьере. В короткий срок — одно-два десятилетия — утилитарные сосуды превратились в роскошные декоративные изделия.

На картинах итальянских живописцев того времени видно, что сосуды альбарелли и блюда с росписью ставили на полках и в специальных шкафах-поставцах так, чтобы было удобнее ими любоваться, рассматривая "картинную" роспись. Блюда из утилитарной емкости превращались в "тарелки для украшения" (итал. Piatti di pompa).

Роспись делали все более сложной, она становилась предметом честолюбия отдельных мастеров и конкурировавших между собой мастерских. О расписной керамике начали отзываться как об искусстве "прекрасного стиля".

БЕЛЛО (итал. bello от лат. bellus — "милый, приятный") — разновидность изделий итальянской майолики XVI в., главным образом из мастерских г. Фаэнцы, отличающихся от ранних образцов ввозимой в Италию испано-мавританской керамики богатой, сочной изобразительной росписью. Отсюда название. "Стиль белло" соответствовал новым идеалам искусства Итальянского Возрождения.

Среди орнаментальных мотивов особенно популярен был гротеск. В Урбино герцог Гвидобальдо II, вступивший на престол в 1498 г., покровительствовал производству майолики. Он пригласил Рафаэля даль Колле, ученика Рафаэля Санти (знаменитого живописца, также родом из Урбино), который ввел в роспись мотивы гротеска, повторявшиеся затем и в других мастерских (отсюда термин "рафаэлески").

На круглой форме тарелки гротески чаще строили не как обычно, "канделябром" (итал. "a candeliere" — по "по-свечному"), а "поквартально" (итал. "quartieri"), секторально, по борту. Распространенным мотивом были "trofei".

Для мастерских г. Фаэнцы в Центральной Италии, недалеко от Болоньи, типичны мотивы аканта , пальметты и маскаронов , написанные светло-голубой краской по темно-синему фону "sopra azurro".

"БЕРЕТТИНО" (итал. "a berettino" — "по синему") — разновидность росписи итальянской майолики эпохи Возрождения XVI в. светло-синей краской по темно-синему фону глазури. Это создавало оригинальный тональный эффект. Чаще всего использовался мотив гротеска, встречается и роспись по синему фону желтой, зеленой, красно-коричневой краской. Такая роспись характерна для мастерской Каза Пирога (итал. Casa Pirota — "Огненный Дом") в г. Фаэнца ок. 1525 г. Другое название: "sopra azzurro" (итал.) — "на голубом".

В 1520—1536 гг. в Фаэнце действовала мастерская "Каза Пирота" (итал. «Casa Pirota» — «Огненный дом», имеются в виду печи для обжига). Ок. 1535 г. в этой мастерской работал Б. Манара. Благодаря его произведениям в жанре "исторьяти" (итал. istoriati — "исторические") с росписью на сюжеты из "Истории Рима" Тита Ливия, "Метаморфоз" Овидия майолика из Фаэнцы стала известна в других странах, откуда и возникло позднейшее название "фаянс".

В маленьком местечке Дерута, недалеко от Ассизи, по дороге из Перуджи в Орвьето, изготавливали большие блюда с поясными портретами, особенно часто — Св. Франциска Ассизского; они предназначались для паломников. Широкие борта, разделенные на секторы, украшали чешуйчатым орнаментом. Использовали также "перламутровый" люстр ("a Madreperla").

В мастерских Венеции серовато-синюю глазурь называли "смальтино". В Венеции под влиянием восточного, персидского, искусства был популярен орнамент из тонких синих стебельков и листиков по белому фону.

В Каффаджиоло, по дороге из Флоренции в Болонью, находилась мастерская, принадлежавшая семье Медичи.

В Кастель Дуранте, герцогство Урбино, изготавливали знаменитые "свадебные блюда", или "тарелки влюбленных" (итал. "сорре amatorie"), с изображением невесты и посвятительной надписью на бандероли. В Кастель Дуранте начинал работать знаменитый мастер Никколо Пеллипарио (ок. 1545). Он один из первых стал использовать гравюры М. Раймонди, А. Венециано, М. Денте с произведений Рафаэля и его школы. Росписи работы Пеллипарио — многофигурные композиции на мифологические и библейские сюжеты — пример творческого переложения рафаэлевских композиций из прямоугольного формата в круг, форму блюда. Их отличает строгий рисунок, четкость контуров, ясность моделировки, виртуозность в прорисовке мелких деталей. Благодаря деятельности этого мастера в искусстве итальянской майолики орнаментальный декор отошел на второй план, а сюжетные композиции стали располагаться свободно по всей поверхности изделий, иногда наперекор их форме.

Персонализация творчества, а также стремление к живописности и атектоничности декора отражают тенденции развития искусства эпохи Возрождения в Италии. До 1528 г. Н. Пеллипарио работал в Кастель Дуранте, затем переехал в Урбино, в мастерскую своего сына Гвидо Дурантино, принявшего позднее фамилию Фонтана. В этой урбинской мастерской в 1529—1542 гг. работал другой известный мастер — Ф. К. Авелли да Ровиго. На оборотной стороне тарелок и блюд часто помещали названия композиций с отсылками на литературные произведения, из которых взят тот или иной сюжет. Иногда ставили монограмму мастера и дату, но не времени росписи, а года издания гравюры или книги, откуда заимствована композиция.

Росписи по мотивам произведений Рафаэля были столь популярны, что искусство итальянской майолики одно время даже называли "рафаэлевскими тарелками" (итал. "piatti di Raffaello"), хотя сам Рафаэль, вопреки легенде, не занимался этим искусством. В качестве оригиналов использовали гравюры А. Мантеньи и немецких художников: А. Дюрера, Л. Кранаха Старшего, М. Шонгауэра. Оригинальным типом изделий являются расписные сосуды для рожениц — скуделло и тондино .

СКУДЕЛЛО И ТОНДИНО (ст.-итал. scudello e tondino — "чаша на ножке") — характерные изделия эпохи Итальянского Возрождения. Скуделло (от итал. scudetto — "щиток", лат. scutella — "чашка", scutum — "щит") — чаша на ножке; тондино (от итал. tondo — "круглый") — блюдце, тарелка, подставка.

В XV—XVI вв. в Италии изготавливали из керамики набор посуды для рожениц (ст.-итал. scudelle di donna di parto). Он мог состоять из трех, пяти или даже девяти предметов (другое название: desco da parto; desco — "стол, поднос; закуска"; parto — "роды"). Основу набора составлял судок для супа. Круглую емкость судка закрывали крышкой — круглой тарелкой для хлеба, которая имела выпуклый валик по кругу — tondino. Эту тарель закрывали второй чашей на кольцевидной ножке, опрокинутой дном кверху (ongarescha), на которую ставили солонку (saliera). Из таких комплектов ныне сохранились лишь разрозненные предметы.

Их расписывали яркими красками — изображениями сцен родов, ухода и воспитания детей. Изображали сцены на сюжет "Положение Вергилия", веселые бытовые сценки, шаловливых путти, цветы, гирлянды. Поэтому скуделло и тондино превращались из набора утилитарных предметов в дорогой подарок, праздничную, изысканную композицию.

Еще более редкие изделия — "scudelles ab oreilles" (ст.-итал., "чаши с ушками") — сохранились в единичных экземплярах валенсийских фаянсов XV—XVII вв. Они представляют собой небольшие чаши на кольцевой ножке с двумя, реже с четырьмя плоскими ручками по сторонам.

С 1498 г. в мастерской Губбио, в Умбрии, работал мастер Джорджьо Андреоли (1470—1553), применявший оригинальный рубиновый люстр. Этот люстр был известен и ранее, но благодаря Андреоли он стал настолько популярен, что мастер считался его изобретателем. Андреоли довел искусство люстрирования до совершенства. Ему присылали расписанные изделия из других мастерских, многие он сам покупал в уличных лавках и после росписи люстром ставил на них свою подпись, обычно: «Maestro Giorgio da Ugubio» (слово "маэстро" означало хозяина, владельца мастерской).

Майоличные мастерские действовали также в Сьене, Тревизо, Милане, но в основном в маленьких селениях. Интересно, что сосуды из майолики не расписывали ни во Флоренции, ни в Риме — главных центрах искусства Итальянского Возрождения.

К концу XVI в. мастерские Фаэнцы постепенно перестраивались на выпуск белой майолики с очень скромной росписью. Оригинальный красочный стиль утрачивался, и производство таких изделий сокращалось.

В XVII—XVIII вв. новые вкусы Барокко затронули искусство Венеции. Ни одна из мастерских не пережила XVIII век. Классической итальянской майолике эпохи Возрождения успешно подражали французские мастера в Ниме, Невере и Лионе, во Фландрии, в Антверпене — мастер Й. Боерт.

Сохранившиеся итальянские образцы насчитывают тысячами. Самые богатые собрания — в Лондоне, в музее Виктории и Альберта, в музее Клюни в Париже. В Италии — в музее Коррер в Венеции и Барджелло во Флоренции. В Германии — в Брауншвейге и Берлине. Значительным собранием обладает Эрмитаж в Петербурге. В 1885 г. это собрание пополнилось приобретенной музеем коллекцией А. П. Базилевского; после революции — за счет частных собраний и коллекции музея Центрального Училища технического рисования барона Штиглица.

В Италии расписная майолика производится и в настоящее время, но в основном представляет собой грубые реплики музейных оригиналов, рассчитанные на невзыскательный вкус.

МЯГКИЙ ФАРФОР

 

МЯГКИЙ ФАРФОР (франц. pâte tendre — "мягкое тесто"; нем. Frittenporzellan, от итал. Fritta — "месиво, смесь") — заменитель фарфора. Стеклообразная масса, которую использовали на европейских мануфактурах до получения в Саксонии в 1710 г. настоящего твердого фарфора.

Впервые мягкий фарфор стали вырабатывать в 1575 г. во Флоренции на мануфактуре, устроенной повелением великого герцога тосканского Франческо I Медичи. В состав мягкого фарфора входят кремнезем в виде кварцевого песка, щелочь в виде соды (окиси натрия), селитра, квасцы, гипс, глина. Высокое содержание плавней (полевого шпата) — от 30 до 36% — снижает температуру плавления, усиливает просвечиваемость черепка, но уменьшает его твердость (отсюда название).

По составу мягкий фарфор близок молочному стеклу, что показывает отсутствие четких границ между стеклом и фарфором с технологической точки зрения. Для получения настоящего твердого фарфора (этого секрета европейцы до XVIII в. не знали) необходимы каолин (белая глина) и высокая температура плавления.

Изделия из мягкого фарфора, покрытые слоем прозрачной свинцовой глазури, слегка просвечивают, имеют белый тон с серовато-желтоватым оттенком; глазурь подвержена механическим повреждениям, она легко царапается ножом и вилкой.

"Фарфор Медичи" — это около пятидесяти сохранившихся изделий: тарелок, блюд, фляг, кувшинов, расписанных синим кобальтом — гротесками и стилизованными листьями, иногда с добавлением фиолетовой краски и позолоты. Медичейский фарфор наряду с произведениями более известной итальянской майолики представляет собой оригинальное явление эпохи Итальянского Возрождения. Мануфактура Медичи действовала и в первой четверти XVII в.

В России в XIX в. словом "медицис", или "медичис", называли парадные фарфоровые вазы стиля Ампир кратерообразной формы, не имеющие отношения к мануфактуре Медичи во Флоренции. Название возникло, вероятно, по сходству форм таких ваз со знаменитым античным кратером из собрания семьи Медичи либо сосудами типа альбарелли.

Другой разновидностью мягкого фарфора является "фриттовый", или "французский", фарфор (известково-глиноземное молочное стекло без содержания глины). Его также называют "искусственным". Представляет собой малопластичную массу, слегка просвечивающую, красивых розоватых, голубоватых, фиолетовых, зеленых, золотистых оттенков. Такой "фарфор" вырабатывали в XVIII в. французские мануфактуры в Меннеси, Венсенне, Руане, Сен-Клу.

Иная разновидность — английский "костяной фарфор". По внешнему виду он более похож на твердый фарфор (в состав его массы добавляют 40—60% жженой кости — золы кости животных). Добавки окислов железа придают этому материалу замечательный блеск, просвечиваемость и белизну, напоминающую слоновую кость. На английских мануфактурах практиковали добавки каолина (10—40%), такой фарфор именуют натуральным.

В Германии на Берлинской фарфоровой мануфактуре наряду с твердым выпускали и мягкий фарфор. Херманн Зегер, технический директор мануфактуры с 1878 г., разработал рецептуру специального мягкого фарфора для цветных и кристаллических глазурей, а также особый состав фарфоровой массы, не содержащей полевой шпат, для скульптуры.

ФАРФОР

 

ФАРФОР (арабск. fagfur, fahfuri от др.-персидск. bagaputhra — "калька" кит. Tieng-tze — "Сын неба", эпитет китайского императора) — разновидность керамики, изделия из тонкой белой глины со спекшимся, "остеклованным" черепком. Другие названия: турецк. čini ("китайский"); итал. porcellana, по сходству с porcellino — морская раковина "поросенок" с белоснежной блестящей поверхностью; англ. china ("китайский").

Фарфор имеет плотный спекшийся черепок белого цвета (иногда с голубоватым оттенком) с низким водопоглощением (до 0,2 %), при постукивании издает высокий мелодичный звук, в тонких слоях может просвечивать. Глазурь не покрывает край борта или основание изделия из фарфора. Сырье для фарфора — каолин, песок, полевой шпат и другие добавки.

Полуфарфор по свойствам занимает промежуточное положение между фарфором и фаянсом, черепок белый, водопоглощение 3 — 5 %, используется в производстве посуды.

Раскопки 1950—1963 гг. в Аньяне (город в Китае, в бассейне р. Хуанхэ) подтвердили производство так называемого протофарфора (греч. protos — "первый, начальный") в Китае в период правления династии Хань (206 г. до н. э. — 220 г. н. э.). Изделия тонкого фарфора из совершенной белой массы относятся к периоду Тан (618—907).

Фарфор не случайно долгое время оставался для европейцев "китайским секретом". Для его производства необходимы три основных условия, которые свойственны характеру китайцев: абсолютная чистота и тщательность технологии, великое терпение и необыкновенная любовь к материалу. Об этом свидетельствуют старинные названия фарфора и названия глазурей, которые издавна применяли китайские мастера: "цвета луны", "голубого тумана", "цвета неба после дождя", "павлиньего пера", "цвета кожи желтой рыбы"...

Основным компонентом изделий из фарфоровой массы является тонкая белая глина, свободная от примесей железа (которые привносят коричневатый или зеленоватый цвет) и органических веществ (продуктов перегноя растений).

Залежи белой глины находились неподалеку от Пекина, в местности под названием "Высокие холмы", по-китайски: каолин. Однако даже столь подходящую глину мастера средневекового Китая отмучивали и "вылеживали" в глубоких земляных ямах без доступа воздуха около 20 лет. Только после этого, когда из глины выйдут все органические примеси, ее сушили, просеивали и добавляли кварц и полевой шпат. После обжига около 90°С частички кварца образовывали остеклованную массу, которая вместе с белой глиной давала белоснежный, звонкий и слегка просвечивающий в тонких слоях черепок. Таким образом, фарфор с технологической точки зрения представляет собой переходный материал от керамики к стеклу.

Неглазурованный фарфор называют бисквитом, покрытый прозрачной глазурью он сверкает как драгоценность.

Еще одно китайское название фарфора: петун-тзе (кит. peitung-tze — "из глины и камня"), т. е. из каолина и кварца.

Для фарфора применяют не обычную свинцовую глазурь (она слишком легкоплавкая), а прозрачную глазурь на основе полевого шпата. Однородность массы и глазури (глазуровочный обжиг проводят при температуре 1300—1500°С) составляет вторую часть "китайского секрета".

Не имея каолина и не зная секрета, европейцы пытались подражать дорогостоящему китайскому фарфору, используя кремнезем, квасцы, гипс, селитру и легкоплавкую свинцовую глазурь.

"Порцелланом" вначале называли перламутр; китайский фарфор ценили в буквальном смысле на вес золота. В 1470 г. будто бы открыли "китайский секрет" в Венеции, но позднее выяснилось, что это было молочное (окрашенное в массе) стекло. Только в 1710 г. Й. Ф. Бёттгеру в Саксонии удалось получить настоящий фарфор.

В течение первой половины XVIII в. благодаря опытам Й. Г. Хёрольдта на мануфактуре в Майссене была разработана широкая палитра красок для росписи фарфоровых изделий.

Китайские мастера периода Тан расписывали изделия окисью кобальта — краской, которая после обжига давала насыщенный синий тон. Окись кобальта — единственный пигмент, выдерживающий высокую температуру, при которой обжигают изделие. Поэтому долгое время с искусством китайского фарфора ассоциировался сине-белый колорит. Однако в 1720-х гг. китайские мастера заимствовали у европейцев сначала зеленую, затем розовую краску (из мельчайших частиц солей золота в соединении с оловом), а также красную, желтую, лиловую. Одним из результатов обмена достижениями культуры Запада и Востока стало своеобразное "шинуазри наоборот" (франц. chinoiserie — "китайщина") — "европейщина" в изделиях традиционного искусства Китая.

В XVII в. у китайцев искусство расписного фарфора заимствовали японские мастера.

В 1746 г. Д. И. Виноградов разработал технологию производства фарфора в России.

Особенно популярны в разные годы в Европе были китайские изделия с глазурью "бычья кровь" и бледно-зеленые селадоны.

В 1748 г. английский технолог Т. Фрай на мануфактуре Бау в Лондоне изобрел отличающийся белизной так называемый костяной фарфор (в его состав добавляют 40—60% золы кости животных).

В 1717 г. начала действовать Венская фарфоровая мануфактура.

В 1740 г. — во Франции, в Венсенне. Вначале на французских мануфактурах в Севре, Меннеси, Руане и Сен-Клу использовали мягкий фарфор, но постепенно переходили к производству настоящей фарфоровой массы из каолина и полевого шпата. Мастера Севра успешно применяли ярко-синюю ("королевскую синюю") и розовую ("розовую помпадур") глазури, по которым легко узнаются севрские изделия.

В 1746—1796 гг. в Германии действовала фарфоровая мануфактура в Хёхсте, в 1747—1761 гг. — в Нойдеке, а затем в 1761 г. в Нимфенбурге, в 1755—1880 гг. — во Франкентале, с 1753 г. — в Фюрстенберге. С 1758 г. фарфоровые изделия стали выпускать на фаянсовой мануфактуре в Ансбахе. В 1763—1790 гг. фарфоровое производство существовало в Фульде. В 1760 г. основана мануфактура в Клостер-Файльсдорфе, в 1756—1758 гг. — в Людвигсбурге (действовала до 1824 г.), в 1751 г. — в Берлине, в 1757 г. — в Готе, в 1763 г. — в Валендорфе (Тюрингия). В 1720 г. с помощью К. Хунгера из Майссена братья Вецци наладили производство фарфора в Венеции. Для большей пластичности в процессе формования в фарфоровую массу иногда добавляют трагаит.

В Англии помимо мануфактуры в Бау в 1751 г. начало действовать фарфоровое предприятие в Ворчестере (Вустере), около 1748 г. — в Дерби (в 1786 г. мануфактуры в Бау, Дерби и Челси были объединены).

Для массового производства фарфоровых изделий используют шликер— жидкую фарфоровую массу, которую отливают в гипсовые формы. После сушки изделия обжигают, покрывают росписью (подглазурная роспись) и обжигают вторично. Если роспись осуществляют по глазури, ее называют надглазурной и обжигают в муфельных печах при малой температуре, позволяющей сохранить разнообразную палитру "муфельных" красок.

В середине XVIII в. на германских мануфактурах была разработана красочная роспись цветами "вразброску", она стала типичной для искусства фарфора.

Для украшения фарфоровых изделий используют рельефный (оттискивается в формы) и лепной декор. На мануфактуре в Майссене с этой целью применяли кружева. Кружевную ткань окунали в шликерную массу и прикрепляли к изделию. Во время обжига ткань выгорает, а тонкий ажурный декор остается, сплавляясь с изделием. Близкую технику использовали для создания тарелок с "кружевным бортом".

"РИСОВОЕ ЗЕРНО" (франц. "grain de riz") — технический прием декорирования изделий из фарфора. В необожженную "сырую" массу вставляют рисовые зерна в определенном порядке, во время последующего обжига зерна сгорают и оставляют небольшие отверстия, которые покрывает прозрачная глазурь, отчего возникает сетчатый орнамент из просвечивающих "окошек". Этот прием западноевропейские мастера заимствовали из китайского фарфора периода "чен-лунг" (1736—1795). Близкий прием использовали персидские керамисты селения Гомрун в XVII—XVIII вв. Позднее технику упростили, отверстия вырезали и покрывали прозрачной глазурью в несколько слоев. Другое название техники "рисовое зерно" — транслюсид (от лат. trans — "через, насквозь" и lucidus — "просвечивающий").

Ажурные "плетенки" делают прорезным штампом.

Классика художественного фарфора — использование белого фона в сочетании с полихромной росписью и позолотой.

Отдельную разновидность декоративного искусства составляют миниатюрные расписные фигурки из фарфора — мелкая пластика. Лучшие образцы создавал на Майссенской мануфактуре выдающийся художник Й. И. Кендлер. Для мелкой пластики обычно применяют специальный состав фарфоровой массы, не содержащей полевого шпата (такую массу разработали на берлинской мануфактуре в середине XVIII в.).

Фигурками из неглазурованного фарфора — бисквита — прославился французский скульптор Э.М. Фальконе. С 1847 г. особенный бисквит использовал Т. Минтон в Англии.

За несколько столетий искусство изделий из фарфора породило многие приемы декорирования и разнообразные формы.

В России помимо продукции Императорского фарфорового завода в Петербурге большое значение в XIX в. имела деятельность частных заводов Гарднера, Батенина, товарищества Кузнецовых. Художественный фарфор относится к камерной разновидности декоративно-прикладного искусства и часто, обычно в отношении продукции невысокого качества, ассоциируется с "безделицами", багателями , недостойными серьезного изучения, считается воплощением мещанского, купеческого вкуса. Тем не менее изделия из фарфора — традиционный предмет коллекционирования. Русский писатель, поэт и художественный критик Г. В. Иванов в книге воспоминаний дал своеобразное определение этой разновидности искусства:

"Когда я слышу слова „старинный фарфор“, я испытываю нежность, смешанную с отвращением. Сознаюсь, я до сих пор неравнодушен к этим затейливым вещицам, олицетворяющим блаженную праздность, изящное ничегонеделанье, раззолоченный и разукрашенный сон ума и души... В художественном фарфоре — дан какой-то предел и изощренности и ограниченности человека. Как море, на которое вылито масло, успокаиваются бури искусства, затихают раздиравшие его страсти. Все восхитительно мельчает, изысканно глупеет, засыпает волшебно-кукольным сном. Мука становится сентиментальной грустью, счастье превращается в удовольствие, прекрасное делается красивым, безусловное — условным, величественное — грациозным. И утончившись до предела, искусство готово умереть от упоительной анемии, очаровательного вырождения, прелестного размягчения мозга. Это и есть фарфор".

Фарфор коллекционировали саксонский курфюрст Август II Сильный, прусский император Фридрих II, российский император Петр I, австрийская императрица Мария Терезия. Известными собирателями старинного фарфора были русский историк искусства А. И. Сомов, отец знаменитого художника объединения "Мир Искусства" К. А. Сомова, И. М. Эзрах (1898—1991), значительная часть его коллекции ныне хранится в музее Петергофа и в Русском музее в Петербурге.


ФАЯНС

 

ФАЯНС (франц. faïence от названия итальянского г. Фаэнца) — разновидность керамики. Фаянсовыми называют изделия из "беложгущейся глины", в которую также добавляют каолин, кварц, полевой шпат, мел или мрамор.

Фаянс имеет пористый белый черепок с желтоватым оттенком, пористость черепка 9 — 12 %. Из-за высокой пористости изделия из фаянса полностью покрываются бесцветной глазурью невысокой термостойкости. Фаянс применяется для производства столовой посуды повседневного использования.

Фаянсовый черепок белый, но, в отличие от фарфора, он не просвечивает, имеет сероватый или желтоватый оттенок и шероховатый излом. Фаянс обжигают при относительно невысокой температуре (до 1000°С.). Для маскировки грубого черепка изделие покрывают непрозрачным слоем оловянной глазури или ангобом, а затем, после росписи — прозрачным слоем свинцовой глазури, которая, однако, не сплавляется с черепком, что характерно для изделий из фарфора.

Прототипом фаянса являются изделия Древнего Египта, керамика стран Ближнего Востока. Изделия с черепком из красной глины, которые требуют покрытия белым ангобом, называют полуфаянсами.

Изделия из керамики, стекла, люстрирование — традиционный вид художественных ремесел народов арабских стран. Арабы привнесли это искусство в XI—XII вв. в Испанию, а оттуда традицию расписных керамических изделий заимствовали итальянцы.

В XVI в. одним из центров производства расписной итальянской майолики был г. Фаэнца. Изделия мастерских этого города вывозили в страны Центральной и Северной Европы, поэтому их и стали называть "фаянсами".

Помимо Италии в эпоху Возрождения изделия расписного фаянса изготавливали в Нанте, Ниме, Невере. Многие из этих образцов неотличимы от итальянских.

В Руане в 1537—1557 гг. работал выдающийся мастер Массео Абакен. Однако расцвет искусства руанских фаянсов относится к XVII—XVIII в.

Оригинальный стиль в искусстве фаянса создал Бернар Палисси.

Гордостью французского Ренессанса являются "фаянсы Генриха II».

В истории искусства Японии славятся фаянсы сацума.

Между изделиями из фаянса и фарфора не существует непреодолимой границы. Так открытие китайского фарфора, в сущности, представляет собой постепенный переход от фаянса через так называемый протофарфор к настоящему белому фарфору.

Западноевропейские мануфактуры долгое время производили и фаянсовые, и фарфоровые изделия. Однако по мере освоения новой технологии предпочтение отдавали фарфору. В XVII—XVIII в. голландские мастера, подражая дорогим привозным изделиям из китайского фарфора, изготавливали собственные, из фаянса. Шедеврами эпохи Неоклассицизма второй половины XVIII в. являются английские фаянсы мастерской Дж. Веджвуда. Успех подобных изделий привел к тому, что слово "фаянс", как и "фарфор", превратилось в метонимию (переименование) одной из разновидности декоративно-прикладного искусства.

Изделия расписного фаянса производили французские мануфактуры в Париже, Сен-Клу, Лилле, Марселе, Мустье, Страсбурге.

В Германии действовали мануфактуры в Ансбахе, Байройте, Аугсбурге, Хёхсте, Фульде, Нюрнберге, в малых городках Тюрингии.

В Англии традиционным районом керамического производства было графство Стаффордшир.

В России производство фаянса из тонкой белой глины существовало в XVIII—XIX в. в подмосковной Гжели, в г. Скопине Рязанской губернии.

Существуют разновидности фаянсовой массы искусственно окрашенной в разные цвета. Изделия из майолики, или фаянса, покрытые слоем блестящей глазури, иногда условно называют "эмалированным фаянсом".

ШАМОТ

 

ШАМОТ (франц. chamotte от chame — раковина "морской желудь") — огнеупорная крупнозернистая глина. Название возникло по сходству с раковиной формы применяемых для изготовления шамота изложниц.

Крупнозернистую массу используют в садово-парковой керамике и скульптуре, обычно без глазурования; грубая фактура шамота хорошо соответствует природному ландшафту и архитектуре "сельского стиля".

Шамотом называет также "жжёнку", или "отощитель" глины при производстве керамических изделий. Измельченную в зерно или порошок глину с примесью керамического боя, кирпичной крошки предварительно обжигают при температуре на 50—80°С выше температуры обжига будущего изделия и добавляют в глиняную массу. Шамотные включения препятствуют деформации и растрескиванию изделия при обжиге. Художники используют выразительные качества крупнозернистой фактуры более темных включений "жжёнки".

ГОНЧАР

 

ГОНЧАР, ГОНЧАРНЫЙ КРУГ (др.-русск. гърньчаръ от гърньць — "горшок, горнец, горнушка").

Гончар — древнерусское название мастера, делающего горшки (уменьш. от горн — печь для обжига) из глины.

Изготовление горшков связано с применением устройства, получившего название "гончарный круг". Изобретение гончарного круга (ок. 3700 г. до н. э.) было одним из решающих событий в истории ремесла и искусства керамики. Лепка изделия на вращающемся столе с ножным приводом позволяет достичь абсолютно симметричной формы сосуда, что важно в функциональном отношении, а равномерная толщина стенок существенно влияет на качество обжига.

Симметричная, правильная форма и органичная связь с приемами декорирования в процессе вращения сосуда способствовали развитию эстетического восприятия, а затем и художественного мышления мастера.

В искусстве Древнего Египта встречаются изображения Бога Хнума, создающего на гончарном круге из глины душу — Ка — человека.

Гончарный круг упоминается в "Илиаде" Гомера (XVIII, 600).

Существует гипотеза о связи идеи гончарного круга с историей "медного человека". В иной версии изобретателем этого механизма считается Анахарсис Скифский (VI в. до н. э.).

ТЕРРАКОТА

 

ТЕРРАКОТА (итал. terracotta — "жженая земля") — разновидность неглазурованной керамики, изделий из красной или желтовато-бурой железистой глины с пористой, матовой поверхностью.

В античности из терракоты изготавливали облицовочные плиты с рельефами, архитектурные детали — метопы, антефиксы, черепицу, а также игрушки, мелкие статуэтки. Небольшие скульптурки изготавливали в Смирне, на островах Кипр и Родос, в Малой Азии, эллинистическом Египте.

В Новое время терракоту использовали для декоративных плакеток и этюдов, которые затем переводили в большой размер в ином материале. Из терракоты делали изразцы, посуду. В наше время используют простую железистую глину (50%), добавляют в нее мел (25%) и тонко молотый шамот (25%). Изделие расписывают минеральными красителями и обжигают при температуре 900—950°c.

 

СИДЕРОЛИТ (от греч. sideros — "железо" и lithos — "камень") — в общем значении — название "железокаменных" метеоритов с большим содержанием силикатов и железа.

В истории искусства — разновидность изделий из терракоты (керамики), поверхность которых бронзирована или позолочена, из-за чего они выглядят как металлические.

В эллинистической архитектуре Ближнего Востока, а также в странах Центральной и Юго-Восточной Азии декоративные детали из терракоты, предназначенные для экстерьера, покрывали восковыми красками и лаком. Сверкая на солнце, они также выглядели "железокаменными".

Другое название — хромолит (от греч. chroma — "цвет" и lithos — "камень") — "цветной камень".

БУККЕРО

 

БУККЕРО, БУККЕРО-НЕРО, БУКАРО (итал. buccero-nero от bucca — "щека" и nero — "черный"; также по сходству с исп. bicaro — название черной керамики американских индейцев, известной европейцам с XIX в.) — этрусская керамика.

Сосуды, светильники, жаровни из обожженной глины с черной лощеной поверхностью с матовым блеском. Изготавливались в Италии в VII—IV вв. до н. э. Характерны для культуры этрусков, так же как чернофигурные и краснофигурные расписные вазы для эллинов.

Древнеиталийская керамика "буккеро" демонстрирует многообразные формы с лепными ручками и фигурными деталями, прорезным, рельефным и гравированным орнаментом. Матовый блеск и цвет керамики буккеро варьировался от серого к коричневому и черному в зависимости от условий обжига, во время которого происходило восстановление содержащейся в глине закиси железа на предварительно лощеной поверхности.

Более архаичная форма керамики этрусков темно-красного цвета — сосуды, вылепленные от руки, без применения гончарного круга, — называется импасто (итал. impasto — "плотно, пастообразно").

Стилем буккеро, или букаро, иногда называют лощеную керамику вообще.

СЕЛАДОНЫ

 

СЕЛАДОНЫ (франц. céladon, от лат. Celadon "Келадон") — французское наименование изделий китайской керамики эпохи Сун (960—1279) из тонкой фаянсовой массы, близкой фарфору, покрытой светло-зеленой глазурью.

Название возникло в первой половине XVIII в. по ассоциации с образом литературного персонажа — Келадона, героя романа французского писателя Оноре де Юрфе (1568—1625) "Астрея" (на сюжет Овидия). Келадон украшал свою одежду лентами бледно-зеленого цвета.

Китайские селадоны отличаются широкой гаммой тончайших оттенков зеленого и серо-голубого цветов, напоминающих нефрит — камень, который обожествляли в Китае.

В XVII—XVIII вв. селадоны изготавливали в Корее и Японии.

Зеленый цвет получали введением в состав глазури полевого шпата и последующим восстановлением окиси железа в процессе обжига. Четыре процента закисного железа придают "железистой глазури" цвет морской воды. Глубина и характер тона зависят от температуры и от вида топлива.

Сосуды, которые изготавливали на севере Китая, где использовали уголь, — более темные, чем те, которые изготавливали на юге, где для обжига применяли дрова. Бледно-зеленые тона селадонов соответствовали западноевропейской эстетике стиля Рококо середины XVIII века.

Селадоны коллекционировали, они стали непременным украшением аристократических гостиных. Со временем слово "селадон" превратилось в обозначение светло-зеленого цвета европейских изделий "под Китай".

Арабское название керамики, вывозимой из Китая, — мартабани.

 

МАРТАБАНИ (арабск. martabani — по названию залива в Индокитае) — арабское наименование китайской керамики периодов Сун (960—1279) и Мин (1368—1644) —