Art Gallery

Портал для творческих людей       OksanaS200974@mail.ru        Mail@shedevrs.ru

 

Поиск по сайту

Погода в Омске

Яндекс.Погода
Сейчас 242 гостей онлайн

купить картину

Яндекс.Метрика

Мы в контакте


Ювелирное искусство PDF Печать E-mail
Рейтинг пользователей: / 12
ХудшийЛучший 
Словарь художника

ЮВЕЛИРНОЕ ИСКУССТВО

 

ЮВЕЛИРНОЕ ИСКУССТВО (через голландск. juwelier, ст.-франц. joël от ср.-лат. jocellum — "драгоценность" от лат. jocus — "шутка, забава, украшение") — разновидность декоративного искусства, художественных ремесел, предметом которых является изготовление миниатюрных украшений, дорогих, изысканных вещей из драгоценных и полудрагоценных материалов.

Историческая этимология подчеркивает игровой, изысканный характер этого искусства. Одна из книг "Естественной истории" Плиния Старшего (23—79 гг.) начинается с восторженного гимна человеческой дерзости и изобретательности в поиске драгоценных материалов:

"Предприимчивость ведет всяческие поиски в недрах земли; где-то ее копают ради богатства, в поисках золота, серебра, электра, меди, где-то — ради роскоши, в поисках гемм для пальцев и красок для стен... Мы проходим по всем жилам земли... мы проникаем в ее внутренности и ищем богатства в обиталище духов усопших... Из земли выкапывают золото и вместе с ним хрисоколлу, за которой название закреплено по золоту, чтобы она казалась ценнее... Алчность искала серебро, а тем временем удовольствовалась тем, что нашла миний и придумала применение этой красной земле. О неистощимая изобретательность! Сколькими способами мы увеличили цены вещей? Вдобавок появилось искусство живописи — и мы сделали золото и серебро еще дороже благодаря чеканной работе. Человек научился бросать вызов природе. Порочные соблазны поощрили и искусство: понравилось чеканить на кубках похотливые сценки и пить из непристойных изображений... Признаком богатства, истинной славой роскоши стало считаться обладание тем, что может вмиг погубиться целиком".

Плиний называет поиск и обработку драгоценных материалов соблазном и далее сравнивает этот соблазн с архаическими временами, когда в почете было не золото, а железо, не изысканные безделушки, а простота нравов и суровость жизни. Несомненно, что ювелирное искусство связано с роскошью, богатством и является признаком благосостояния общества и личности. Более того, произведения ювелирного искусства всегда были предметом выгодного вложения денежных средств, поскольку суть этого ремесла заключается в том, чтобы искусной работой сделать самый дорогой материал еще более ценным. Иными словами: изысканный труд ювелира, его мастерство оказывается выше самых дорогих и редких природных материалов.

Особенность ювелирного дела состоит в том, что оно оказывается возможным лишь на таком уровне техники, когда обработка материала достигает степени высокого искусства. Тем не менее самые изысканные предметы появлялись уже в глубокой древности: у древних китайцев, скифов, египтян, критян, этрусков.

«Штандарт» из «царской» гробницы в Уре. Фрагмент. Около 2600 г. до н. э. Британский музей, Лондон.

В 1922—1934 гг. английский археолог Л. Вулли открыл царские гробницы в Уре (древняя Месопотамия ) с множеством произведений ювелирного искусства 2800—2500 гг. до н. э. из чеканного золота с инкрустацией лазуритом, другими цветными камнями и эмалями.

Х. Картер в 1922 г. открыл гробницу египетского фараона Тутанхамона в Долине царей в Фивах с изысканными изделиями и украшениями из драгоценных материалов, погребенных вместе с фараоном в 1342 г. до н. э. Древние египтяне умели с помощью ковки получать золотую фольгу толщиной от 0,54 до 0,09 мм. Они изготавливали золотую проволоку и гвозди, которыми прикрепляли золотые пластинки к деревянным изделиям, инкрустировали их перламутром и слоновой костью, а золотые детали припаивали друг к другу серебряным припоем.

Древние греки и этруски в Италии уже в VIII—VII вв. до н. э. делали тончайшие изделия из золотой фольги с мельчайшей зернью (0,4 мм) и филигранью, припаивая ее к основе с помощью зернышек малахита (водной углекислой соли меди). Для изготовления дорогой посуды, мужских и женских украшений, оружия и конской сбруи использовали золото, серебро в сочетании с драгоценными камнями, жемчугом, кораллами, перламутром, янтарем, слоновой костью, стеклом, эмалями.

В Средневековье в золотые и серебряные реликварии монтировали античные геммы. В конце XIII в. во Франции был издан закон, согласно которому ношение ювелирных украшений стало привилегией знати. Царствующие особы имели до десяти корон, украшенных драгоценными камнями, в них вставляли знаменитые алмазы, служившие своего рода государственной казной.

Многие ювелирные изделия вначале служили амулетами, талисманами, имели магическое значение оберегов, другие произошли от утилитарных конструкций застежек, пряжек, заколок, пуговиц. Но постепенно эти функции утрачивались и все подобные изделия в результате совершенствования их конструкции и технологии обретали новый, символический смысл.

Покровителем ювелиров в Средневековье почитали Св. Элигия (ок. 588 — ок. 659), франкского серебряных дел мастера из г. Турнэ. Он был приближенным меровингского короля Дагобера I и после смерти причислен к лику святых.

Одним из самых известных шедевров ювелирного искусства является "Золотой алтарь" базилики Св. Марка в Венеции. В сокровищнице базилики хранятся многие изделия византийских мастеров.

Знаменитый ювелир, эмальер и чеканщик Николя де Вердён (?—1205) создал раку "Трех святых королей" в соборе Кёльна.

Златокузнецами (нем. Goldschmiedes; англ. Goldsmiths; франц. orfèvres) славились города по берегам Рейна; английского Винчестера, французского Лиможа.

ЗЛАТОКУЗНЕЦмастер-ювелир, работающий с драгоценными металлами: золотом, серебром, платиной. В европейском Средневековье вместо античного "золотых дел мастер" (греч. chrysopoios) более распространенным стало наименование аргиропрат ("серебрянщик"). В эпоху Итальянского Возрождения — "кузнец металла" (итал. battere metalli). Покровителем златокузнецов был Св.Элигий.

Многие шедевры ювелирного искусства создавались в монастырских мастерских. Опытным златокузнецом, ювелиром, эмальером был монах бенедиктинского ордена Рогир фон Хельмарсхаузен, или Теофил, автор трактата "Записка о разных искусствах" (1120-е гг.).

Ювелирное искусство, связанное с секретами технологии, близко алхимии. Не случайно многие стеклоделы, эмальеры, арканисты (искатели способа получения фарфора) были алхимиками.

"Солонка Франциска Первого"

Дорогие изделия — результат честолюбия монархов, они хранились в кунсткамерах, их считали предметами роскоши (франц. objet de luxe) и куриозитетами (франц. curiosité от curieux — "любопытный, забавный"). Бич ювелирного искусства — дороговизна материала, из-за чего золотые и серебряные изделия часто отправляли на переплавку: иногда по причине финансовых трудностей государства, иногда ввиду изменения моды. Так, не сохранилось большинство изделий знаменитого скульптора, медальера и ювелира итальянского Маньеризма Бенвенуто Челлини (1500—1571), только чудом уцелел его шедевр — золотая "Солонка Франциска Первого", ныне хранящаяся в венском музее Истории искусства.

"СОЛОНКА ФРАНЦИСКА ПЕРВОГО"

Челлини, флорентиец, работал в разных городах Италии, в 1537 и 1540—1545 гг. — во Франции, на службе у французского короля Франциска I (1515—1547). Еще до отъезда во Францию художник выполнил в Риме из воска модель солонки с двумя фигурами — бога морей Нептуна с трезубцем и богини земли Цереры. Он привез модель в Париж. Франциск I был восхищен и предложил художнику выполнить произведение в золоте. Солонка представляет собой сложную  композицию на овальном постаменте из черного — эбенового дерева. В композиции помимо двух фигур представлены олицетворения морской стихии: в волнах (синей эмалью по золоту) плывут морские кони — гиппокампы, рыбы и замысловатая ладья (в нее насыпали соль), а по другую сторону находится маленький храм с откидывающейся крышкой — в нем хранили перец. Столь странное изделие (его высота 26 см, длина 28 см) создано в полном согласии с эстетикой необычайного и причудливого, свойственной искусству Маньеризма в Италии XVI в., и, в частности, с толкованием термина "decorum" как "уместности, приличия украшений". Челлини дал следующее толкование: "Соль и перец — продукты моря и земли, поэтому уместны фигуры Нептуна и Земли" — и далее: "Я позаботился о том, чтобы ноги мужской и женской фигур были грациозно и искусно переплетены: одна вытянута, другая подогнута, что означает горы и долины земли". В скульптурных деталях этого произведения чувствуется влияние великого Микеланжело, которого Челлини боготворил, а рельефные фигуры основания повторяют микеланжеловские "Ночь", "День", "Утро" и "Вечер" из гробницы Медичи во Флоренции. Шедевр ювелирного искусства хранился в кунсткамере эрцгерцога Фердинанда Тирольского в замке Амбрас, затем, вместе с другими произведениями фамильной сокровищницы Габсбургов, в 1661 г. золотую солонку перевезли в Вену. Ныне она экспонируется в венском Музее истории искусства.

Ради переплавки дорогих изделий во Франции королем Людовиком XIV трижды издавались "указы против роскоши" (в 1689, 1700 и 1709 гг.). Погибло огромное количество выдающихся произведений искусства, многие мастера эмигрировали, ювелирному искусству Франции был нанесен значительный ущерб, но исчезновение со столов знати золотой и серебряной посуды стимулировало керамическое производство.

Веком изящных безделушек, багателей и расцветом ювелирного искусства считают галантный XVIII век, эпоху стиля Рококо с его культом женщины, женских украшений, моды и эротических причуд.

В XIX в. в Париже особенный успех имели изделия ювелирной фирмы Картье.

КАРТЬЕ (Carrier) — знаменитая французская ювелирная фирма. Ее основатель Луи Франсуа Картье (1819—1904), ученик А. Пикара, в 1847 г. возглавил собственную мастерскую, развивая традиции  парижской ювелирной школы, завоевавшей к тому времени признание работами А. Бапста, А. Фализа, Э. Фонтенэ, Э. Фроман-Мориса. Фирма "Картье" выпускала ювелирные украшения в стиле Второго Ампира. После краха Второй Империи во Франции фирма сумела выжить. С 1874 г. в мастерской отца работал сын, Альфред Картье (1841—1925), с 1898 г. — внук Луи Картье Младший (1875—1942). Стремясь противопоставить свою продукцию изделиям фирмы Фаберже, имевшим успех на Всемирной выставке в Париже 1900 г., мастера "Картье" отвергли эклектизм и, испытывая воздействия японского искусства, работ Р. Лалика, А. Вевера, Э. Грассе, "создали поистине новый стиль, где царили извилистые линии и блеклые тона... Так появились на свет чарующие предметы ювелирного искусства, отвечающие образу женщины утонченной и нежной, соблазнительной, таинственной и волнующей". В поисках новых решений Л. Картье изучал искусство эпохи Людовика XVI, произведения мусульманского искусства, венецианские и фламандские кружева, и вскоре ему удалось создать оригинальные рисунки изделий из платины (вместо быстро темнеющего серебра) с бриллиантами и жемчугом. В этих изделиях — диадемах, колье, браслетах, — напоминавших по форме венки, ветви, колосья, зазвучала тема природы. Новый тип изделий получил название "стиль гирлянды" (франц. Le style Guirlande). Специалисты оценили его как "стиль истинного французского Классицизма". В 1902 г. фирма "Картье" открыла филиал в Лондоне, в 1908 г. — в Нью-Йорке и Петербурге. После значительных закупок изделий царствующими фамилиями появилась пословица: "Картье — ювелир королей и король ювелиров" (франц. «Cartier joaillier des rois et roi des joailliers"). В конкуренции с изделиями Фаберже, в том числе на российском рынке, фирма "Картье" разрабатывала образцы в строгом стиле французского Неоклассицизма, а также использовала экзотические мотивы искусства Египта, Китая, Японии, Индии. Мастера фирмы применяли цветные эмали, бриллианты, горный хрусталь, как правило, эффектно обыгрывая контраст белоснежной платины и бесцветных алмазов с цветными камнями. После небольшой дани периоду Историзма мастера фирмы, практически минуя соблазны Ар Нуво, продолжали опыты стилизаций экзотических мотивов, но уже в 1907 г. показали ряд изделий строгого геометрического стиля, предвещавшего эстетику Ар Деко. Ювелирные изделия фирмы "Картье" в геометрическом стиле прекрасно гармонировали с модными платьями П. Пуаре. Сочетая формы круга, прямоугольника, ромба, а также бриллианты, слоновую кость, оникс, художники Дома Картье изобрели стиль "белый Ар Деко" («L’Art Déco blanc"). Мотив черных и белых пятен получил название "шкура пантеры" или просто "пантера" ("la Panthère"). При этом не отвергались китайские, египетские, персидские, индийские мотивы. К концу XX в. фирма несколько уступила свои позиции, но ее мастера продолжают работать, а название "Дом Картье" стало синонимом строгого, элегантного, почти дизайнерского стиля в ювелирном искусстве.

В России подъем ювелирного искусства связан с эпохой Екатерины Великой. С 1762 г. в Петербурге французский мастер Ф. Арну учил русских подмастерьев финифтяному делу. С 1779 г. в петербургской Академии художеств действовал класс миниатюрной живописи, в том числе по эмали, фарфору, слоновой кости на медальонах, шкатулках, табакерках. С 1740 г. сначала для императрицы Анны Иоанновны, а затем для Елизаветы Петровны работал швейцарский ювелир Иеремия Позье (1716—1779). В 1762 г. для торжественной коронации Екатерины II Позье выполнил корону с 4936 бриллиантами, 75 жемчужинами и огромным рубином. В 1764 г. Позье уехал в Швейцарию, и в должности придворного ювелира его сменил австриец Л. Пфистерер. Самым знаменитым ювелиром екатерининского времени был швейцарец Жан-Пьер Адор (1724—1784). С 1760-х гг. он работал в Петербурге, изготавливал столовые приборы из серебра с чернью, вазы, ароматницы, но особенно прославился миниатюрными табакерками из золота, серебра, украшенных драгоценными камнями, гравировкой, миниатюрными вставками с росписью по эмали. Табакерки Адора круглой или овальной формы играют бриллиантами, расположенными по окружности. В 1774 г. французский ювелир Жак Роттье (1707—1784) изготовил по заказу императрицы Екатерины большой серебряный сервиз. В конце XIX в. в России самой известной ювелирной фирмой и официальным поставщиком Императорского двора стало предприятие, основанное в 1842 г. в Петербурге выходцем из семьи французских гугенотов Густавом Фаберже.

ФАБЕРЖЕ (Fabergé) — знаменитая петербургская ювелирная фирма, по фамилии ее основателя и последующих владельцев. Основатель фирмы — Густав Фаберже (1814—1894) происходил из семьи французских гугенотов по фамилии Faberg, которая эмигрировала в Германию после отмены в 1685 г. Нантского эдикта о свободе вероисповедания. Отец Густава жил близ г. Штеттина, затем переехал в Лифляндию (Латвию). Ювелирному делу Густав Фаберже учился в Петербурге, в 1842 г. открыл на Большой Морской улице ювелирный магазин. Его сын Карл Фаберже (1847—1920) получил основательное художественное образование: изучал ювелирное дело в Венеции, технику эмалей — в Париже и Лиможе, резьбу по камню — в Дрездене. Работал в Лондоне и Франкфурте-на-Майне, в Риме, в парижском Лувре и Версале. Заканчивал обучение в коммерческом коллеже в Париже. В 1870 г. Карл Фаберже вернулся в Петербург и возглавил отцовское предприятие. Основная трудность заключалась в том, что к этому времени в Петербурге и Москве работало много ювелиров, успешно действовали мастерские, создавшие собственный стиль и имевшие постоянных клиентов. С 1841 г. придворным ювелиром императора Николая I и императрицы Александры Федоровны был немецкий мастер Йоханн Вильхельм Кейбель (1788—1862) — у него в свое время учился Густав Фаберже. На Большой Морской, дом 29, располагался ювелирный магазин Павла Сазикова, сына знаменитого ювелира Игнатия Павловича Сазикова (1796—1868), имевшего свое дело с 1810 г. в Москве, а затем в Петербурге. По той же улице, в доме 35, находился ювелирный магазин Павла Акимовича Овчинникова (1830—1888). Карл Фаберже, учитывая ситуацию, стал привлекать в свою мастерскую молодых художников — "ученых рисовальщиков", выпускников Центрального Училища технического рисования барона Штиглица. В 1882 г. к делу присоединился младший брат Карла — Агафон Фаберже (1862—1895). Правилом были совместные обсуждения — художники и мастера-исполнители собирались вместе и подробно обсуждали каждый новый проект. Из мастеров-виртуозов первым считался Август Вильхельм Хольмстрём (1829—1903), швед из Хельсингфорса. Ранее, в 1857 г. он уже сотрудничал с Фаберже Старшим. В фирме работал и его сын Альберт Хольмстрём (1876—1925), а также ученик, финский мастер Эрик Август Коллин (1836—1901), в 1872—1886 гг. он был главным мастером фирмы. Считается, что именно Коллин первым нашел тот утонченный ретроспективный стиль, точнее — манеру стилизации, которая затем стала отличительной чертой лучших изделий "Дома Фаберже". Примечательна также ведущая роль северных, скандинавских мастеров (финские, немецкие, шведские мастера, выходцы из стран Балтии преобладали среди выпускников Училища Штиглица). Карл Фаберже считал главным учителем Императорский Эрмитаж. Рисовальщики фирмы много часов проводили в его залах. Копировали изделия скифских курганов, крито-микенского искусства и коллекции Х. Шлимана. Эти копии использовали для стилизаций, при этом Фаберже требовал "качества материала". Первые изделия фирмы начали появляться в период ретростилей, когда в ювелирном искусстве ценили "роскошные вещи": рассчитанные на внешний эффект крупные бриллианты в дешевой оправе. Карл Фаберже решил доказать, что истинная ценность произведения ювелирного искусства состоит не в дороговизне материала, а мастерстве и таланте исполнителя. Мастера фирмы как бы соревновались с материалом: чем выше его стоимость, тем больше фантазии. Небрежность исполнения полностью исключалась. Все вещи делали в одном экземпляре. Если заказчик настаивал на повторении, то вносили изменения, чтобы каждое произведение оставалось уникальным. Неудавшиеся вещи — это решали на общем совете — безжалостно уничтожали либо продавали без клейма. Характерным было и соединение драгоценных материалов с полудрагоценными камнями: ониксом, яшмой, а то и просто с деревомстеклом, сталью.

Примечательным опытом стали мини-натюрморты: цветок, будто опущенный в вазочку из горного хрусталя. В результате искусной шлифовки возникало впечатление воды, которой на самом деле нет. Эффект является следствием творческого преображения материала.

Одно из направлений деятельности фирмы — создание миниатюрных копий известных произведений искусства, но в ином материале: например, царских регалий из серебра и полудрагоценных камней.

Мастера Фаберже прославились возрождением средневековой техники прозрачной эмали по металлу, добавив к этой древней кельтской и византийской традиции приемы машинной гравировки. Узоры "лучей", "муара", "волны" создавали иллюзию глубины и переливались под прозрачной эмалью изобретенной мастерами фирмы: светло-голубой, ярко-красной, нежно-розовой, палевой, серебристой.

Карл Фаберже владел значительной коллекцией японских нэцкэ — миниатюрных скульптурок из слоновой кости, нефрита, дерева. Под влиянием этих оригинальных вещей, а также резьбы по твердому камню, которую Фаберже изучал в Саксонии, мастера изготавливали смешные фигурки людей, слонов, зайцев, медведей, утят. Они имеют не натуралистический, а выразительный, гротесковый характер. Обобщенность формы сочетается в этих фигурках с намеренным подчеркиванием и укрупнением отдельных деталей. Кроме того, камни разного цвета и текстуры склеивали между собой. В фигурках, отлитых из серебра, глаза инкрустировали сверкающими изумрудами или бриллиантами.

Подлинным художественным открытием фирмы стало изготовление праздничных пасхальных яиц из драгоценных материалов. Традиция дарения расписных яиц на праздник Пасхи восходит к ранним годам христианской эры. Первое яйцо-сувенир заказал Фаберже в 1885 г. император Александр III для супруги императрицы Марии Федоровны. Предполагают, что идея создания подобных сувениров принадлежит Агафону Фаберже. В дальнейшем мастера фирмы выполняли сувениры ежегодно. Условия не менялись: невозможность повторений, оригинальность композиции и сюрприз внутри, о котором никто не должен знать, даже император. Всего таких сувениров (число заказчиков расширялось) фирма изготовила пятьдесят шесть, из них сохранилось сорок пять. В первые годы после революции многие драгоценные предметы вывезли за рубеж, в том числе пасхальные сувениры фирмы Фаберже, которые пополнили частные коллекции. Советское правительство продавало пасхальные яйца как "бесполезные". Десять осталось в собрании Оружейной палаты в Московском Кремле.

В 1885 г. К. Фаберже получил звание ювелира Его Величества Императорского двора с правом включения двуглавого орла в свое фирменное клеймо. Ретроспективное направление в работе фирмы, ориентированное на классические стили западноевропейского искусства — Людовика XVI, Рококо, Ампир, возглавил русский мастер-самоучка Михаил Евлампиевич Перхин (1860—1903). После кончины этого выдающегося умельца его мастерской руководил швед из финской Карелии Хенрик Эммануил Вигстрём (1862—1923). Он работал у Фаберже с 1884 г., делал вещи в "строгом геометрическом стиле", близком французскому Неоклассицизму, Ампиру и, позднее, Ар Деко. Этим мастерам удалось разработать новый, изысканный стиль с классицистическими реминисценциями. С 1884 г. в фирме работал Юлий Александрович Раппопорт (1851—1917). Его изделия можно отличить по особенному сочетанию бледно-зеленого оникса с серебром. После кончины Агафона Фаберже главным художником в 1895 г. стал швейцарский ювелир Франсуа Бирбаум; он привнес в продукцию фирмы элементы стиля Ар Нуво.

Мастерские Фаберже помимо исполнения царских заказов изготавливали и массовую продукцию: рамки для фотографий, табакерки, часы, пеналы, портсигары, флаконы для духов, набалдашники для тростей, подстаканники, пряжки, пуговицы... В 1887 г. было основано московское отделение фирмы (сначала магазин, с 1890 г. — фабрика). В Москве делали расхожие вещи, в основном рассчитанные на купеческий вкус, а также произведения в "русском стиле". Особенной популярностью пользовались шкатулки с росписью на эмали Ф. И. Рюкерта по картинам К. Е. Маковского и В. М. Васнецова на темы "бояромании". Делали также графины-петушки, "русские серьги" (цветной камень в обрамлении из мелких бриллиантов), церковную утварь, столовые сервизы из серебра. Ведущая роль в московском отделении принадлежала выпускнику Училища барона Штиглица Н. А. Шевердяеву, скульпторам братьям Н. А. и К. А. Клодтам. Двоюродный племянник Карла Фаберже, архитектор К. К. Шмидт в 1899—1900 гг. построил "Дом Фаберже" в Петербурге на Большой Морской улице, 24, сочетающий во внешнем облике элементы Модерна с неоготическими стилизациями. Этот дом сохранился. Первый этаж занимал магазин. Во дворовых флигелях располагались мастерские.

Мастера Фаберже умело и разнообразно импровизировали, сочетая стили разных эпох. Использовали даже мусульманские мотивы. Карл Фаберже изучал произведения искусства Великих Моголов в собрании императорской семьи в Зимнем дворце, кроме того сам совершал деловые поездки на Восток. Дом Фаберже называли "культурной губкой", впитывающей искусства всех времен и народов. Это был продуманный, целенаправленный Историзм с романтическими тенденциями. "Стиль Фаберже" (парадоксальное определение) с отсутствием национальных элементов, но исполненный историко-художественного смысла, мог возникнуть на рубеже XIX—XX вв. только в Петербурге — городе-космополите на самом краю Европы, в самой провинциальной из европейских столиц и в самом европейском городе России. Однако в этом уникальном петербургском явлении были свои слабые стороны.

В 1900 г. изделия Фаберже имели успех на Всемирной выставке в Париже. Но французские критики упрекали мастеров фирмы за провинциальную отсталость, изживший себя ретроспективизм, отсутствие собственного стиля. "Игрушки Фаберже", по отзывам парижской прессы, "зажаты в тисках воспоминаний", поэтому они не являются произведениями искусства, хотя и "выполнены безукоризненно". Такая оценка понятна, если вспомнить, что в эти годы Париж переживал увлечение стилем Ар Нуво и исторические стилизации казались французам безнадежно устаревшими. По воспоминаниям писателя В. В. Набокова, в его семье вещи Фаберже так же "не очень ценили за гротескную безвкусицу". И действительно, массовая, относительно дешевая продукция (ею были наполнены многие петербургские квартиры) не всегда отвечала требованиям чистоты стиля.

К 1914 г. фирма выпустила около ста тысяч предметов. Наряду со старыми мастерами работали все четверо сыновей Карла Фаберже: Евгений (1874—1960), Агафон Младший (1876—1951), Александр (1877—1952), Николай (1884—1939). Первая мировая война нанесла удар по деятельности фирмы. Революция 1917 г. ее уничтожила. Карл Фаберже в 1918 г. тайно эмигрировал в Швейцарию. Уехали Ф. Бирбаум и Х. Вигстрём. Потомки семьи пытались возродить прерванное дело в Париже и Женеве, но успеха не имели. Позднее, в 1960—1970-х гг., изделия Фаберже вновь вошли в моду и поднялись в цене. Рынок наводнили подделки (они появлялись еще во времена Карла Фаберже), которые получили оригинальное название "фальшберже" (Falsberge — термин Гезы фон Габсбурга).

Помимо мастеров, работавших у Фаберже, в Петербурге известными ювелирами были Й. В. Кейбель, И. П. Сазиков (в 1810 г. основал ювелирное дело в Москве) и его сын П. И. Сазиков, П. А. Овчинников. Во Франции славились изысканными изделиями, главным образом женскими украшениями из серебра и золота с эмалями и драгоценными камнями, Ф. Бапст, Ф. Барбедьенн, в период Ар Нуво — Люсьен Геллар (1861—1933), Алексис Фализ и его сын Люсьен Фализ (1839—1897), семья мастеров Вевер, Фредерик Бушерон (1830—1902), эмальер-экспериментатор Эжен Фёлэтр (1870—1916) и, конечно, выдающийся художник Рене Лалик (1860—1945). Манера Лалика отличается утонченной стилизацией растительных и зооморфных мотивов. Этот мастер умел, используя опаловое стекло, оникс, алюминий, янтарь, халцедон, придавать им качества драгоценных материалов. Он экспериментировал с эмалями, глазурями, успешно использовал восточные, японские и китайские мотивы. В 1891 г. знаменитая актриса Сара Бернар заказала Рене Лалику парюру (комплект украшений), особенно удачными оказались "стрекоза" и "клубок змей". Меценат и коллекционер К. Гульбенкян создал в Лиссабоне музей произведений Р. Лалика.


 

Добавить комментарий


Защитный код
Обновить

Использование материалов сайта "Шедевры Омска", только при наличии активной ссылки на сайт!!!

© 2011/2017 - Шедевры Омска. Все права защищены.